教師授課進度表

課程類別︰人文，社會，自然，應用

學分︰2

授課時數︰2小時

課程名稱︰（中文）百老匯音樂劇賞析

課程名稱︰（英文）Appreciation of Broadway Musicals

授課時段︰星期 1, 2 第7, 8堂課程

屬性︰必修（選修先修科目限制修習系所）

授課目標：認識英美近代音樂劇之演進與表演藝術之發展，讓同學在面對各種表演藝術時有更深的欣賞分析與吸收之能力。

教學方法：介紹最膾炙人口且俱代表性的音樂劇，輔以 DVD, CD 及相關影音文字資料。

主要書目：百老匯音樂劇- 美國夢和一個恆久的象徵 (慕羽/著, 大地出版社, 2004)

參考書目：百老匯 – 第一本紐約、倫敦表演 Show 導覽專書 ( 嗑秀狂 菲立普/著. 張懿文/文字整理. 星定石文化出版有限公司, 2001)

評分方式：出席率與課堂表現 20%, 口試 20%, 小組研究報告 20%, 出席正式音樂會或表演並附一頁4A 心得報告與門票 40%.

基本性: 戲劇乃文學與表演藝術之結合. 文學是生命萬象之寫照.本體性: 從接觸歐美表演藝術進而啟發同學對本土表演藝術之欣賞與前瞻之能力。

多元性: 戲劇乃人生之縮影. 藉由短暫的戲劇演出, 同學可以看到人生百態. 更可藉由劇場經驗體驗一個完美的作品是由無數人力財力物力共同努力的結果。

整合性: 自戲劇情節中了解世人的七情六慾是沒有國界與種族之分的. 追求真善美, 正義, 忠誠, 仁愛等等處世準繩是舉世皆然的。

穿越性: 從觀賞中引發同學對於音樂, 舞蹈, 服裝, 道具, 舞台設計, 燈光控制, 劇情鋪陳, 演員動作表情等等週邊知識之探討。

通識教育課程之參考指標：基本性、主體性、多元性、整合性、穿越性。

**基本性：課程內容應包涵人類文明之基本要素。相對於工具性、應用性或休閒性課程而言，通識課程之內容應具有基本性。所謂「基本性」，是指課程應涉及人類文明中最根本、最重要、最不可或缺的素質而言。

**主體性：課程應直接或間接地完成「建立人的主體性，以完成人之自我解放，並與人所生存之人文及自然環境建立互為主體性之關係」這項教育目標。教學應以學生作為主體出發，去看待知識，透過討論、思辯、批判與比較，去了解自己的身體、心理，自己所面對自然世界與社會環境，自己所處的時代與所屬的文化。

**多元性：課程內容應以拓廣學生視野、消除人的族群與文化上的偏見、養成「人類一家」的胸懷為目標。

**整合性：課程內容應整合不同領域之知識，有助於啟發學生的心智，有助於發展專業研究之直觀與創意，賦與專業知識新的詮釋與意涵。

**穿越性：課程內容所探討的問題應淺顯明白，可藉由問題的探討而逐步穿越專業知識，但不宜預先設定學生須已修讀系統性專業知識為前提。

理查德 羅傑斯和奧斯卡 哈姆斯特恩二世 (Richard Rodgers & Oscar Hammerstein II)

理查德 羅傑斯 和 奧斯卡 哈姆斯特恩二世 是美國音樂劇歷史上最成功的創作組合之一。兩人都是行業內不可多得的天才人物，他們合作的作品有創建了美國音樂劇現代模式的 「奧克拉荷馬」、「旋轉木馬」，有觸及深層社會文化問題的 「南太平洋」、「花鼓曲」、「國王與我」，還有充滿浪漫情懷的電視音樂劇 「灰姑娘」、「我和朱麗葉」。「音樂之聲 」（真善美）裡的湖光山色、動人樂章更是傳唱至今。

理查德 羅傑斯 1902 年出生於紐約，曾就讀於哥倫比亞大學的音樂劇藝術學院。 20 、30 年代曾與羅瑞茲 哈特是搭當檔，合作了不少成功的作品，比如 「加里克狂歡」 「康乃迪克州的美國人」、「朋友喬伊」等。漢姆斯特恩去世後，羅傑斯少了創作的激情和靈感，作品不及過去成功，1979 年去世。

奧斯卡 哈姆斯特恩二世是美國音樂劇發展史上的一位頗為重要的推進人物。他 1895 年出生於紐約，年輕時代曾在哥倫比亞大學學習法律。他早期的作品有 「羅斯 瑪麗」、「沙漠之歌」和 「演藝船」等。1943 年與羅傑斯開始合作，直至生命在 1960 年的終結。

1943 年，羅傑斯開始了與漢姆斯特恩的共同創作的經歷，成功推出了 「奧克拉荷馬」(Oklahoma)。 這部作品持續地在世界各地演出了近半個世紀，百老匯的觀眾和評論家都被它具有的新穎、生動和刺激深深地迷住了。 「奧克拉荷馬」給美國音樂劇舞台帶來了許多新鮮血液，該劇沒有用高樓大廈做佈景，而是選用了中西部陽光燦爛的農村大平原，還推出了平易近人、腳踏實地、栩栩如生的角色；該劇也沒有雇用大牌明星，而是精心挑選和培育有天才的新演員；在該劇中我們還看到了一種令人耳目一新的夢幻芭蕾舞蹈形式。

舞蹈編導

安格尼斯 德 米勒 （Agnes de Mille）是用舞蹈來充實音樂劇的第一人。她使音樂喜劇舞蹈的整個觀念發生了改變。從技藝精湛的古典芭蕾、現代舞，美國民間舞蹈、土風舞、戲劇性動作，都廣泛採用，結果產生該劇中由這些天才的舞者和歌者表演的空前壯麗，令人驚嘆的舞蹈。她最大的成就是使舞蹈成為音樂劇的一個主要部分，而不只是助興的節目。由於該劇在上演時還未設東尼獎，直到 1993 年舞蹈編導 安格尼斯 德 米勒 才獲得了東尼特別獎。

原版 （奧克拉荷馬）

兩幕音樂劇 「奧克拉荷馬」於 1943 年 3 月 31 日在紐約西 44 街的聖詹姆斯劇院首演。拉開了高唱凱歌的序幕，透過音樂、唱歌和舞蹈三種形式融合演出，從而使音樂劇成為一種近乎完善的藝術形式。 「奧克拉荷馬」打破了當時百老匯所有的票房紀錄，投資回報率是 2500%。該劇共在聖詹姆斯劇院連續演了五年零九個星期，於 1948 年5 月29 日下檔，創下了當時連續上演場次的新紀錄，共計 2212 場； 1943 年10 月由國家劇團演出的該劇目開始在美國巡迴演出， 1954 年5 月止於費城，巡迴演出長達十年半，一共去過 250 個城市。為羅傑斯和漢姆斯特恩以及蓋伊德劇院賺取了數百萬美元的利潤。

英國

1947 年 4 月29 日該劇在英國上演，並引起了巨大的轟動。年輕的瑪格利特公主看了 27 遍。在倫敦西區的德路里（Drury）街皇家劇院上演的時間是該劇院 287 年歷史中最長的，總計 1548 場。當這部劇目回到紐約時，評論家們歡呼雀躍，觀眾們紛紛購票，形成了提前數年購票的熱潮。「奧克拉荷馬」終於在美國乃至世界音樂劇領域獲得了極高的聲譽。

電影

1955 年的電影版本被拍攝了兩次，由 高頓 馬克瑞 和 希爾雷 瓊斯主演。第一次用 35 毫米膠片，第二次採用 70 毫米每秒 30 格的拍攝方法。室內部分均在舞台上拍攝，室外的部分在亞利桑那州拍攝。該片獲得了 1955 年奧斯卡最佳音樂獎、最佳音響效果獎，以及最佳彩色電視技術和最佳電影剪輯獎提名。

複排

「奧克拉荷馬」的最新複排劇在 1998 年 7 月 6 日的預演後，於 1998 年7 月 15 日在英國皇家國家劇院奧利佛劇院 （Royal National Theatre’s Olivier Theatre）公演，同年 10 月3 日閉幕。1999 年1 月20 日該劇搬遷到西區的萊西爾姆劇院（Lyceum Theater）上演，到 1999 年6 月26 日共持續演出了 23 週。對於複排名師巨作的難度可想而知，甚至評論界很多人認為將這樣一部極有歷史意義的作品搬上倫敦舞台，並非明智之舉。

2003 年3 月21 日，著名製作人卡梅隆 麥金托什把倫敦複排的 「奧克拉荷馬」搬上了百老匯的舞台。為迎接它的到來，葛什溫劇院進行了改造，舞台向觀眾席延伸了不空間。評論界和觀眾大多表現出了友好的態度。不過在 2002 年的東尼獎的頒獎典禮上，雖獲多項提名，但只抱走最佳男演員一項講。

奧克拉荷馬

根據 里恩 瑞格斯 （Lynn Riggs）的戲劇 「綻放的紫丁花」（Green Grow the Lilacs）改編，以一種前所未有的音樂喜劇語言講述了一個感人摯深的故事，展現了美國西部動盪的奧克拉荷馬地區群拓荒者質樸而狂放的生活經歷和愛情故事。故事發生在 20 世紀初期 （1907 年奧克拉荷馬成為美國第 46 個州），以漂亮的農村姑娘若蕊和兩個求愛者 （牛仔克里與農夫加德）的故事為基礎。劇中既有溫情脈脈的浪漫，也有激情似火的恐懼。

該劇從男主角克里一首經久不衰的歌曲 「啊，多麼美的早晨」（What a Beautiful Morning）中拉開了帷幕，表達了他對美好生活的嚮往和熱愛，最令他喜悅的是美麗的姑娘若蕊與他心心相印。若蕊的艾勒姨媽此時正在院子裡愉快地幹著農活，這個既簡潔又真實自然的開場，給劇情的進展節約了時間，並從持續了幾十年的「歌舞女郎出場模式」的公式化、概念化的窠臼中勇敢地跳了出來。

若蕊在兩個追求者中選擇了克里，引起了農夫加德的不滿和嫉妒，出於與克里的賭氣，若蕊還是搭上了加德的馬車，不過若蕊心中仍然愛戀著克里，兩個有情人決定走到一起。可是加德始終想盡辦法要拆散這對恩愛情侶，若蕊因此而心存恐懼。終於在若蕊和克里的喜慶婚禮上，加德的怨恨爆發了，婚禮因為加德的魯莽行為不得不中斷，在克里與加德的衝突中，加德死於自己的刀下。劇中還有另外一個喜劇情節的穿插，可愛而輕率的姑娘安妮陷入了與牛仔威爾和小販阿里阿金的三角戀的故事。

作曲, 作詞家 科爾 波特

在美國音樂劇界的 30 和 40 年代, 科爾 波特 是一位出類拔萃的傑出藝術家. 從 20 年代的 "巴黎" , "五千萬法國男人", 到 30 年代的 "放蕩的離婚者", "留給我", "凡事皆可" 等, 逐漸確立了他在美國音樂劇舞台上的顯赫地位。他的歌詞和作品富於機智的傳奇色彩, 表達了在這個時期紐約貴族悲觀厭世, 玩世不恭的情緒。不過波特的歌曲更超過這層含義, 他是一名真正的社會批評家 (吉爾伯特和蘇黎溫的風格), 總是以一種樂觀主義的姿態笑對慘澹的世界, 或許正是因此, 他才能承受身體不幸殘疾的現實。他最大的成就是在 40 年代的 "吻我 凱特", 這也是 科爾 波特 最成功, 最得意的作品, 該劇中波特機智的雙關語運用 , 絕妙的韻文搭配, 體現出波特在詞曲創作上的天賦和特點, 至今仍有不減的光輝。 "吻我 凱特" 獲得的成功, 著實使波特高興了很長一段時間, 該劇不僅在舞臺上表現不俗, 1953 年還被好萊塢拍攝為電影。

劇情

該劇醞釀於一個真實的故事, 創作的靈感得益於該劇一位製作人的一次偶遇. 1935 年他還只是蓋伊德劇院的普通工作人員, 遇到了這樣一件事情: 劇團的夫婦明星阿爾弗立德 郎特 和里恩 芳婷因為角色發生衝突, 從而將臺上的 "馴悍記" 演到了臺下。就這樣, 莎士比亞 "馴悍記" 的故事被演繹成了一齣現代演員夫妻的愛情鬧劇。

十多年前與科爾 波特有過合作的編劇斯佩萬克夫婦終於重新走到一起, 而這次的合作, 使他們的藝術能量達到了頂峰。"吻我 凱特" 1948 年 12 月 30 日首演於百老匯新世紀劇院, 演出獲得了極大的成功, 共上演了 1070 場, 不僅在 40 年代上演場次上名列前茅, 還獲得了剛成立不久的 1949 年東尼獎第一次設立的最佳音樂劇獎和最佳服裝設計獎。"吻我 , 凱特" 使評論界完全折服了, 令許多人尤其是波特自己高興的是, 他又一次站到了頂尖創作者的行列。值得一提的是, 在該劇中, 現代舞家漢雅 霍爾姆還制定了例行規矩, 以此證明舞蹈可以做為高度戲劇化的節目, 不僅能夠渲染情境, 還可以作為說明事物的捷徑。

該劇的結構始終沒有脫離原 "馴悍記" 的基礎, 故事圍繞一對戲內戲外都是夫婦的演員展開, 幾位主人公的故事也發生在短短一天之中。 從下午 5 點到半夜的排演中, 剛的製作人兼演員的弗立德和性情急躁的明星演員麗莎之間的故事, 就像他們正在排演的莎士比亞筆下的人物。

故事發生在 40 年代末期的美國馬里蘭州巴爾迪莫的福德劇場, 弗立德 格拉漢姆和麗莉 萬妮絲正在排練莎士比亞的經典戲劇 "馴悍記", 分別扮演劇中的人物彼得魯喬和凱瑟琳娜, 劇名中的 "凱特" 就是凱瑟琳娜的暱稱。 其實, 弗立德和麗莉曾經是一對, 只不過一年前剛離婚. 已為電影明星的麗莉對前夫的愛恨情仇還沒有消失怠盡, 尤其是當她看見弗立德追求夜總會歌舞女郎露伊絲的時候。 在劇中露伊絲扮演比恩卡, 她的男友比爾在劇中扮演盧森修。 比爾欠了歹徒一萬美金, 他們正焦急地湊錢。 露伊絲非常反感比爾的賭博行為, 令她倍感驚異的是, 比爾竟然用弗立德的名義簽了借條。

與此同時, 弗立德聽見前妻麗莉在電話裡和富有的未婚夫哈里森 郝威爾聊天時一股醋意油然而生, 幸福與感傷的往事掠過心頭. 而這時弗立德的化妝師卻將弗立德給露伊絲的鮮花送到麗莉手中。 不知情的麗莉備倍感興奮。 弗立德知道後卻變得焦躁不安, 因為在花裡他夾了一封寫給露伊絲的情書。

歌聲將觀眾帶進了莎士比亞的世界。 弗立德千方百計地尋找機會向麗莉解釋其中的誤會。 扮演凱瑟琳娜的麗莉知道了送花的真相後 , 劇中人物暴躁的脾氣很快就成了她藉以發洩的出氣筒，她難以控制住自己的情緒竟然在舞台上連打帶咬地攻擊起弗立德來。 演出當中, 麗莉趁候場的機會趕忙打電話給哈里森 , 告訴他要立即與他結婚. 弗立德對前來討債的歹徒說 , 由於麗莉要離開, 演出無法繼續下去了 , 但只要他們使麗莉能將演出完成, 就可以拿到錢 . 於是歹徒提出建議, 假裝用手槍威脅麗莉, 不讓她離開。 實際上, 兩位歹徒搖身一變成為了劇中的角色, 任務就是阻攔麗莉離場. 麗莉怎麼也無法相信身穿戲服的刺客竟然要阻止她離開, 氣急敗壞的麗莉將自己的怨恨注入到對劇中人物凱瑟琳娜的塑造上, 而弗立德借彼得魯喬一角對麗莉以牙還牙, 毫不示弱地將麗莉擺弄到膝蓋上還動起手來。

這時, 兩位歹徒得知老闆已經死了. 欠條既然失效, 歹徒待在這裡已經沒有意義, 於是他們準備離去. 一場鬧劇才得以結束, 哈里森不久到來, 露伊絲卻驚異地發現這個人竟然是曾經與她有過浪漫史的人, 於是在比爾面前突然變得驚慌失措。

莎士比亞的 "馴悍記" 在比爾卡與盧森修的婚禮中即將結束, 麗莉竟然出人意料地重返舞台, 並且用凱瑟琳娜的臺詞向弗立德表達了自己的感情 "我要做一個順從和本份的女人" (I Am Ashamed That Women Are So Simple), 經過了這些事, 她和弗立德突然意識到他們彼此還深深相愛。

劇中有 18 首波特創作的難忘旋律, 其中 "另一場秀" ( Another Op'nin, Another Show), "過火" (Too Darn Hot), "為什麼你表現不出來" ( Why Can't You Behave), "總是真心對你" (Always True To You in My Fashion), "王德巴" (Wunderbar), "我在和你談戀愛嗎" (So In Love With you Am I), "溫習你的莎士比亞" (Brush Up Your Shakespear) 等歌曲非常成功。

波特在歌曲中還採用了莎士比亞的一些名句, 這些語言的運用, 也是該劇非常特別的地方。 波特與莎士比亞都很喜歡文字遊戲, 莎士比亞是擅長運用各種俏皮話和雙關語的大家。 波特則常常能信手拈來許多幽默, 押韻的詞句來配合他的音樂, 尤其在歌曲 "溫習你的莎士比亞" 中能體會出來。

1999 年 11 月, 新版 "吻我, 凱特" ( 11/18/1999 - 12/30/2001 ; 881 場) 拉開了上演的帷幕, 並取得了不俗的成績, 使許多新的劇目黯然失色。 執導這部百老匯著名莎氏複排劇的正是出色的英國導演邁克爾 布雷克摩爾。 凱斯林 馬肖在複排劇中的編舞也相當出色，該版的推出距 "吻我, 凱特" 首演近 50 年了，邁克爾 布雷克摩爾的新版是該劇上演後的第一次複排, 不僅贏得了評論家的美妙言論, 還取得了可觀的票房, 並且成為了 2000 年東尼獎上最大的贏家, 成為百老匯最大的獲獎專家, 共獲得最佳複排音樂劇獎, 最佳編曲獎, 最佳服裝設計獎, 最佳音樂劇導演獎, 最佳男主角獎等五項大獎。邁克爾 布雷克摩爾還成為迄今為止在同一年同時榮獲東尼獎音樂劇導演和戲劇導演 (因 "Copenhagen") 的唯一一位. 該劇獲得的獎項還有外國評論界獎, 5 項戲劇課桌獎以及 4 項提名, 1 項戲劇聯盟獎提名, 3 項阿斯泰爾獎提名等。

《劇藝報》的查理 艾西胡德說 : "這部複排劇是送給情人們的最好禮物, 莎士比亞的浪漫詩句伴著波特俏皮的話語和曲調, 使該劇增添了更多的浪漫和甜蜜, 具有恆久的魅力。 " 看來這部講述情人間鬥嘴的故事的音樂劇還將熱演下去。

背景說明

《窈窕淑女》1956年3月15日首演於紐約馬克•赫林格劇院，在百老匯連演了近10年，共上演了 2717場，成為 50 年代最膾炙人口的音樂劇。從《窈窕淑女》首演開始，就非常清楚地顯示出《窈窕淑女》將成為一種現象。它不僅在紐約和世界各國都創造了新的票房紀錄，還被搬到世界很多國家的舞台上以多種語言進行表演，《窈窕淑女》的唱片銷量更是高達500萬張。《窈窕淑女》還獲得包括最佳音樂劇在內的東尼獎六項大獎和三項提名。

這個成功應首先歸功於匈牙利的電影製片人蓋布瑞爾•帕索，他將他生命中最後兩年的光陰都奉獻給了尋找能將喬治•伯納•蕭 1914 年的戲劇《皮革馬利翁》改編成音樂劇最合適的人選上。蕭伯納當初創作這部戲劇時就是想以一種諷刺的眼光講述一個「灰姑娘」的故事。取名為「皮革馬利翁」正式想用古希臘的故事借古諷今，一位技藝高超的雕塑家完成了一尊完美的雕像後，竟然愛上了「她」。我們在津津樂道於「鯉魚躍龍門」的神話，感嘆於「灰姑娘」命運幸運的同時，也許更應該體會到故事更深的寓意。

這個劇本雖然身受羅傑斯和漢姆斯特恩以及尼歐•考沃德的喜愛，但他們仍然拒絕了帕索。1952 年帕索只好找來了阿蘭•傑•勒納（Alan Jay Lerner）和弗瑞德里克•羅伊維（Frederick Loewe）這對年輕的創作組合。他們獲得了成功。

該劇無論在藝術上還是在商業上均創造了令人驚異的奇蹟，除了音樂劇的魅力之外，蕭伯納原著的魅力自然也是其獲成功的原因。

劇情

故事以一個「灰姑娘」的主題捍衛了英美文化的精神堡壘—英語，可以說是深具嚴肅教誨意味。故事發生在愛德華時代的倫敦，伊莉莎是一個美麗但口音怪異，行為粗鄙的街頭賣花女，她的穿衣打扮和行為舉止絲毫不能引起年輕紳士的注意，當伊莉莎向英俊的貴族青年弗立德出售紫羅蘭時，就遭到了對方的拒絕。而自認是上流社會叛逆的語言學家亨利•希金斯因研究英語的發音和她起了糾紛，不料卻啟發了伊莉莎學好英語以成為花店賣花女的慾望。從印度前來拜訪希金斯的皮克瑞認為這是一個很好的英語標準教學的科學實驗，便與希金斯打賭，看能否在六月個之內把伊莉莎改造成上流社會淑女，在大使館的社交舞會亮相而不被拆穿。

希金斯接受挑戰，開始對伊莉莎展開密集、嚴格的語言訓練，起初有如對牛彈琴，但一經開竅，伊莉莎卻進步神速。賽馬的日子到了，這是上流社會聚集的場合，人們穿著時髦，談吐優雅。希金斯為了檢驗幾個月來的成果，也帶伊莉莎來到了賽馬場。經過嚴格包裝後的伊莉莎吸引了在場很多貴族的注意，通過了初次的語言考驗。但是在她為馬加油的時候，她那慣常的舉止和口音再次顯露。伊莉莎非常難過，然而希金斯認為自己的實驗離成功已經不遠了。在一次大使館舞會上，伊莉莎艷壓群芳，成為上流淑女名媛而震驚社交界，並成為全場焦點。許多國家的王公貴族都想一試，博得她的好感。年輕貴族弗立德更是陷入了對神秘的伊莉莎一往情深中。

脾氣古怪的希金斯對自己化腐朽為神奇的成績雀躍不已，此時伊莉莎發現她的氣質和身分仍然得不到真正的統一，縱使她已改變形象和氣質，在希金斯眼中依然是一個不被尊重和被忽視的賣花女，或者說是他的戰利品。伊莉莎氣憤地對教授說：「沒有你，每年仍會有春天；沒有你，樹上仍會有水果；沒有你，藝術與音樂仍舊能發展；沒有你，西班牙的雨仍會下在平原上！」她決定離開希金斯，回到街頭去找回自己。

然而，昔日的市友都把她視為上流社會的淑女而不與她相認，甚至連她那個不負責任的清道夫父親阿爾弗里德，都因為希金斯的安排而變為紳士，不再是往日無憂無慮的無賴。走投無路的伊莉莎只得問希金斯的母親指點迷津。此時，希金斯正為伊莉莎失蹤神不守舍，只是礙於男性自尊不肯認錯和吐露感情。懷著矛盾的心情，希金斯回到家裡，一邊聽著伊莉莎的練習錄音帶，以便回想她的音容笑貌；揚言不再見希金斯的伊莉莎在此時默默地回到他的身邊。希金斯高興而溫柔地說道：「伊莉莎，我那該死的拖鞋哪兒去了？」

音樂

將《皮革馬利翁》改編成一部音樂劇是相當困難的。主要的問題是歌舞如何能自然地融入喜劇氛圍中，另外還有眾多小人物的處理上。他們決定採用更多蕭伯納的原著對話，並擴大演出場景。在《皮革馬利翁》中，伊莉莎的課程設計得比較短小精悍，然而音樂劇就可以在這上面大做文章，將伊莉莎的進步分為三個階段。

全劇的前 2/3 完全集中在希金斯對伊莉莎的訓練上，兩人之間只有「訓練者」和「被訓練者」的關係，編導得以在語言訓練過程中細膩地刻畫英語發音的趣味性，並宣揚高尚文雅英語的音韻之美。像「西班牙的雨大部分下在平原」一曲，就充分發揮了語言的音樂性和戲劇性，是全劇中最令人感到愉悅的精華片段。伊莉莎在學習標準英語發音的過程中，突然掌握了發音技巧，她慢慢地說，「The rain … in Spain … stays mainly in the … plain」（這是一句押韻的話），希金斯教授和皮克瑞上校開始並不相信自己的耳朵，等他們反應過來時，三人興奮地跳起了令人暈眩的探戈舞，最後氣喘吁吁地躺倒在沙發上。這段表演成為西方劇場中最令觀眾興奮、激動的場景之一。而劇中另一處感人的場景是，穿著一套愛德華時代睡袍的伊莉莎已經完全出落成一位優雅的淑女，這一形象感動了許多代多愁善感的人們。

賽馬場和大使館舞會兩段大場面歌舞，在出色的美術設計烘托下，也讓人感到美輪美奐，尤其突顯了伊莉莎的美麗和高貴氣質。舞會中安排了匈牙利語言家卡巴西（Karpathy）不斷設法刺探伊莉莎身分真相的插曲，使得考驗伊莉莎是否過關的高潮更添緊張懸疑的趣味性。

該劇吸收了象徵英國貴族尊嚴和地位的音樂、舞蹈元素。同時，勒納和羅伊維又創作了蕭伯納風格的十六曲歌曲。其中「我可以整晚地跳舞」（I Could Dance All Night）、「在你居住的那條街」（On the Street Where You Live）、「我已經習慣了她的臉」（I've Grown Accustomed to Her Face）尤其出色。

舞蹈編導

值得一提的是為《窈窕淑女》編舞的是一位來自現代舞界的優秀編導、傑出教師漢雅•霍爾姆。漢雅•霍爾姆是美國現代舞壇的重要人物，她最大的貢獻是將德國現代舞的科學理論與創作實踐引進了美國，為美國現代舞的健康發展輸送了新鮮的血液和營養，成為德國現代舞美國化的先驅。正是由《吻我，凱特》和《窈窕淑女》才使得人們逐漸認識到了她的才華。她同時促成了音樂劇的「現代舞」這種舞蹈形式在二十世紀30 年代至 40 年代的崛起。而《窈窕淑女》是她在百老匯最大的成功。

得獎紀錄

1976年《窈窕淑女》（384場）得以複排，主角喬治•羅斯得到了東尼獎的最佳男主角；另一個版本是1981年的複排版。近年，倫敦西區又將《窈窕淑女》重新搬上了舞台，導演是特文•奴恩，編舞是馬修•伯耐。由喬納森•普里斯和馬丁•馬克卡欽主演。

該劇雖然有多個版本，然而最令人難忘的仍是50年代的舞台版和60年代的電影版，尤其是他們分別的女主角。百老匯音樂劇《窈窕淑女》在歐美舞台上大獲成功，為1964年同名影片的成功奠定了基礎。

電影版

早在1938年英國的加布里埃爾•帕斯卡製片公司就曾將蕭伯納的名劇《皮革馬利翁》搬上銀幕，多少年來一直盛演不衰，加之1956年成功的百老匯音樂劇版本，使得「華納」公司預見有利可圖。1964年，華納公司首席老闆傑克•L•華納又有驚人之舉，毅然創紀錄地花費 550 萬美元買下了百老匯的走紅音樂劇《窈窕淑女》的拍攝權，並自己親自擔當監製，再度將它改編成歌舞片。

傑克•華納還特地聘請「女性電影」巨匠，捧紅了不少女明星的喬治•庫克擔任影片導演。片中導演在場面調度和鏡頭安排上做出了高明的處理。比如，在希金斯和皮克瑞回家後大肆慶祝實驗成功而無視伊莉莎存在的一場關鍵轉折的戲，伊莉莎在熱鬧的場面中，一直默默地遠遠地站在門邊和角落，看似一具塑像般，沒有一個單獨的近鏡頭落在伊莉莎身上，但她的驚愕和失望卻都從肢體語言中表達出來；所以當眾人離開房間，她伏地痛哭的畫面就格外悲痛動人。影片自此轉向了較具社會批判性的主題：爭取女性尊嚴。大男人主義的希金斯藉歌唱來宣揚男人的長處；而身分覺醒後的伊莉莎一再對希金斯表達她的立場，希望希金斯可以對她多一點理解，多一點關心，把她當成朋友，而不是個實驗品。影片的結局停留在伊莉莎回到希金斯家，卻沒有明顯點出是否「有情人終成眷屬」，既避免了大團員的濫情，也為這場「男人與女人的鬥爭」留下一些想像的空間。

《窈窕淑女》耗資 3200 萬美元，堪稱電影史上令人心馳神蕩的超紀錄奢華巨片，佈景富麗，服裝華美考究，宴會、舞會、劇院、賽馬等場面均拍得瑰麗多彩，美不勝收。該片的藝術成就很高，有許多優美的歌曲，因此被提名十三項奧斯卡獎。後來的另一部歌舞片《歡樂滿人間》展開激烈競爭，終於以最佳影片、最佳導演、最佳男主角、最佳藝術執導、最佳攝影、最佳歌曲、最佳服裝設計與最佳音響效果等八項獎，戰勝了獲得五項大獎的《歡樂滿人間》。

不過扮演伊莉莎的奧黛麗•赫本卻在同年的奧斯卡角逐中輸給了百老匯舞台上的「窈窕淑女」朱麗•安德魯斯。來自英國的歌舞演員朱麗•安德魯斯因在百老匯主演了《窈窕淑女》，十分走紅。但是在考慮由誰扮演劇中淑女伊莉莎時，老闆傑克•華納仍覺得安德魯斯名氣不大，並認為她「不上鏡」，決定換由名氣如日中天的奧黛麗•赫本主演賣花女伊莉莎。他們認為，僅憑赫本這個名字就足以使這部電影成功。所以華納一錘定音，捨棄了舞台上轟動一時的扮演伊莉莎的朱麗•安德魯斯，以100萬美金的片酬邀請遐邇聞名的奧黛麗飾演伊莉莎。但湊巧的是，沒能以銀幕《窈窕淑女》的身分再度輝煌的朱麗•安德魯斯卻應迪斯尼影片公司之邀主演《歡樂滿人間》，這部影片也獲得了巨大成功。安德魯斯最終摘取了最佳女主角的桂冠。《窈窕淑女》中奧黛麗的表演異彩紛呈，遊刃有餘。無論是樸實粗俗的賣花女，還是雍容華貴的名媛，她都演來得心應手，恰到好處，輕歌曼舞更使她充分發揮所長。《窈窕淑女》在奧斯卡的角逐中成績斐然，她的功勞不可埋沒。但在《窈窕淑女》一片獲得1964年奧斯卡史上少有的最佳影片等八項獎之際，在其中作為頂樑柱的赫本卻連提名都沒有。真不知當不會唱歌的赫本與奧斯卡失之交臂，而朱麗卻因主演另一部影片而獲此殊榮時，傑克•華納會怎麼想。很多人認為奧黛麗沒能獲獎的原因主要集中在兩點上，其一：評審們認為片中歌曲是別人配唱的，用別人的聲音來為自己配音是「欺騙行為」；其二：電影界人士對在舞台上扮演伊莉莎的大名鼎鼎的朱麗•安德魯斯未被起用感到憤怒。同情安德魯斯的氣氛傳遍了好萊塢，赫本落得要在各個地方接受他們的報復。

這個消息雖然使赫本感到震驚，但善良的本性使她覺得這個結果是公平的，只是赫本影迷們對此卻忿忿不平，連安德魯斯也公開表示：「赫本應當獲提名。」為緩眾怒，赫本被邀請頒發當屆的最佳男主角獎，而該獎獲得者就是在《窈窕淑女》中與赫本合作的男主角扮演者哈里森。赫本表現得大度、自信和愉快，並千里迢迢專程從歐洲拍片現場趕來頒獎，還向安德魯斯表示祝賀，甚至事後給她送去一大束鮮花。而赫本自己則收到了一大紮慰問電報，其中有一份來自好萊塢的另一個赫本—凱瑟琳•赫本，電報中說：「別為落選而煩惱，說不定哪天你會因為一個連提名都不值得的角色而獲獎。」在頒獎儀式上，幾乎每一個《窈窕淑女》的獲獎者都在領獎時說：「我要感謝奧黛麗•赫本的精采表演。」只有哈里森（Rex Harrison）不知談什麼才好，因為兩部《窈窕淑女》裡他都是男主角，他在舞台上與安德魯斯搭檔成功，在影片中又與赫本配合、有默契，此刻他手拿金像不知感謝哪為「淑女」才好，終於，他結結巴巴地說：「我要向，唔……兩位窈窕淑女表示敬意」

背景說明

音樂劇《西區故事》具有一種永恆的魅力，至今仍然是世界各地音樂劇的熱演劇目。這是一部改編自莎士比亞戲劇的作品，故事發生在紐約西區，涉及幫派利益及衝突，是現代版本的《羅密歐與茱麗葉》，講述了美國的羅密歐和波多黎各的茱麗葉成為紐約街頭幫派鬥爭、愛情犧牲品的悲劇。該劇對紐約城市青年幫派生活的真實描摹，在公演後獲得了評論界的一致好評，成為音樂劇的又一部經典，也深為東尼獎和奧斯卡獎垂青。

詞曲

提到《西區故事》，就不得不提到為它編舞的吉羅姆•羅賓斯，為它作曲的里歐納德•伯恩斯坦，以及為它編劇的阿瑟•勞倫斯和為它作詞的斯蒂芬•桑德漢姆。1957年9月26日《西區故事》終於登上冬季花園劇院的舞台，令大師們盼望的時刻終於到來了，六年的等待和多次的延期，以及多次的重新創作在這一天終於化成了一個圓滿的符號。他們期待著該劇輝煌的明天，希望它能被百老匯所鍾愛。畢竟這部作品有太多與眾不同之處了：悲劇情結的涉獵、親情與愛情的矛盾、對死亡和種族主義的詮釋、名不見經傳的年輕演員、精妙別緻的歌詞、顯赫大氣的音樂和令人難忘的舞蹈…巡演前該劇在這裡連演了732場。

1957年《西區故事》首演之際，該劇的作品、美國著名音樂家伯恩斯坦出版了該劇的創作日記。以日記的形式向觀眾介紹了《西區故事》的來龍去脈。1949年1月6日，伯恩斯坦收到了吉羅姆•羅賓斯的一封信，羅賓斯看到報紙上刊登的紐約東區街頭幫派青年們鬥毆造成悲劇的報導，心裡很有感觸，於是他邀請里歐納德•伯恩斯坦和劇作家阿瑟•勞倫斯合作，創作一部現代意義的「羅密歐與茱麗葉」--《東區的故事》，伯恩斯坦雖然並不認識阿瑟，但是他記得曾經看過他寫的《勇者之家》，當初被感動得像個孩子。伯恩斯坦對這種創作組合感到興奮。他們想把它詮釋為一個猶太男孩和一個義大利天主教女孩之間坎坷的愛情故事。希望能以音樂喜劇的創作方式講述一個悲劇故事，這種嘗試史無前例，如果成功，那將為美國音樂劇的創作開闢一條新路。

由於大師們事務纏身，伯恩斯坦正忙於巡迴演出的指揮工作中，勞倫斯也忙於在好萊塢和紐約之間來回奔波。要想創作出一部成功的音樂劇作品，異地合作顯然是不可能，也是不負責任的。這樣他們三人得以在六年後才使當初合作的願望實現。在這期間吉羅姆始終沒有放棄，六年的延期沒有減低他絲毫的熱情，伯恩斯坦和阿瑟同樣也保持著當年的激情。

1955年8月25日，伯恩斯坦和勞倫斯在好萊塢比佛利山酒店碰面時，產生了一個新的想法。受洛杉磯種族問題的影響，為了使故事更具現實意義，他們決定將這個愛情故事設計在一個當地男孩與一個新遷入的波多黎各女孩之間，而這兩人所代表的兩夥年輕人就是水火不相容的死對頭。這時紐約街頭幫派已經從東區發展到了西區。羅賓斯非常喜歡這個涉及「少年犯罪」的新主題。羅賓斯也和勞倫斯對戲劇構思展開了更進一步的討論。是「莎士比亞」的完全翻版呢？還是只借用其中的主題作為故事基礎，讓劇中年輕的幫派青年講述他們自己的故事？他們決定用第二種創作態度對待該劇。1955年9月6日，三人盟約，開始正式創作。

當三位大師齊聚在紐約時，他們意識到需要第四個人參與合作，配合伯恩斯坦創作歌曲。1955年11月14日，一位只有27歲的年輕作詞者前來應試，伯恩斯坦對他的作品非常滿意，決定選他為該劇作詞，這人就是日後非常有名的斯蒂芬•桑德漢姆。該劇為許多人打開了音樂劇的大門，展開了輝煌的職業生涯，最具代表的就是斯蒂芬•桑德漢姆。桑德漢姆被認為是美國當代最重要的詞曲作家之一，是當代具有影響力的全才。這位被百老匯所公認的怪傑，因《西區故事》作詞而一舉成名；他那有內涵深度的音樂劇維持四十年享譽不衰。如果說今天的美國有一種本土的音樂劇風格，那麼桑德漢姆一定是一個標準。不過，與伯恩斯坦不同，桑德漢姆並非是一個擅長創作舞曲的作曲家。

1956年3月，由於伯恩斯坦的另一部作品《勘迪德》又開始演出。他的「羅密歐」不得不再次延期。大師對待作品的態度是相當認真的，尤其是對一部極有成功潛力的作品。在這期間，他們認真思考了一個主要的問題：在歌劇和音樂劇間，在現實主義和浪漫詩意間，在古典芭蕾和流行舞蹈之間，在抽象與具象間，找到一條清晰的結合線。他們知道這種風格是將戲劇性、抒情性融入現實中，成為一種生活的幻象。無論是編劇、作曲、編舞，都帶上了大師們自己的個人風格。故事中，勞倫斯強調了角色的情感特徵，對話帶有很強的街頭少年的腔調，然而與現實還是有很大的區別的；羅賓斯的舞蹈動作集合了吉特巴舞以及街頭打架的動作，也體現出了羅賓斯的個人特徵。

1957年2月1日，伯恩斯坦暫時告別了《勘迪德》和愛樂樂團，又重新回到了「羅密歐」的世界。從這一時刻起，再沒有什麼能打擾他的創作了，伯恩斯坦表示無論是什麼，他都會義無反顧地回絕。

伯恩斯坦力圖使該劇不依靠明星，而要啟用一些年輕、稚嫩的新面孔。數百名滿懷希望的青年人參加了《西區故事》的選角試聽會，其中的四十名孩子成了幸運兒，他們中的絕大多數都是初次在百老匯登台。當然也許不是每一個人都能成為明星，但是《西區故事》給他們帶來了與大師合作的機會。

1957年7月8日，《西區故事》帶上服裝和佈景的彩排正式開始。經過數百天精雕細刻的創作，《西區故事》終於誕生。

劇情說明

該劇以極為敏感的觸角提出了美國現實中民族對立和幫派鬥毆這兩個嚴重的社會問題，劇中表現的東尼和瑪麗亞的愛情命運在幫派鬥毆中被毀滅的悲劇，有著震撼人心的藝術力量。

在兩隊互相對立的幫派少年的舞蹈中，我們的故事也開始了。由美國白人少年組成的「噴射幫」和由波多黎各移民少年組成的「鯊魚幫」位爭奪地盤彼此仇視。幫派成員摩拳擦掌，發誓要打出自己的地盤，噴射幫的小頭目里夫提出要戰鬥就要把原來的首領東尼找回來。

里夫花了大力才說服東尼回到噴射幫來，參加比鄰舞會。東尼表示這是出於對朋友的忠實，但是他對這種生活很不滿意。他好像感覺到了一種前所未有的生活經歷將向他走來，而他自己必須遠遠地離開幫派鬥爭。

瑪麗亞是鯊魚幫頭目伯納多的妹妹，她剛到美國不久，與伯納多的女友安妮塔在一家婚禮商店工作。瑪麗亞將這次舞會看作是自己在美國生活的真正開始，向東尼一樣，她也對未來充滿了希望。伯納多和西諾回來，西諾是一位內向但是很令人緊張的鯊魚幫成員，但伯納多希望西諾能成為自己將來的妹夫。

舞會上兩隊水火不容的幫派假裝友好和睦地跳了兩分鐘舞，不久舞蹈中的火藥味便一發不可收拾。然而東尼和瑪麗亞卻在舞蹈中一見鍾情，兩人忘情地跳舞，似乎忘記了周圍的緊張氛圍。伯納多看見後，將瑪麗亞從東尼手中拉走。瑪麗亞被送回家，而同時里夫正與伯納多在一家藥房安排「爭鬥計畫」。

毫不知情的東尼已經深陷情網，他跑到波多黎各人居住的樓區，癡情地叫著瑪麗亞的名字，瑪麗亞應聲而出，週圍安靜下來，東尼和瑪麗亞互相深深凝視，重演了羅密歐與茱麗葉在陽台傾訴衷腸的一幕。

第二天，瑪麗亞在婚禮商店從安妮塔處得知了即將發生一場決鬥。東尼前來找馬麗亞，瑪麗亞懇求東尼一定要去阻止這場不必要的鬥爭，東尼向她保證自己一定會辦到。

東尼竭力制止雙方的決鬥，在碰撞推擠中，伯納多傷了里夫，這一舉動惹惱了東尼，他也向柏納多刺去。這時候，警報響了，大家尋機而逃，只有東尼呆呆地紋絲不動。

對公路上的悲劇毫不知情的瑪麗亞正沉浸在愛情的幸福中，這時西諾走進來，帶來了東尼殺死了伯納多的消息。瑪麗亞不能相信自己的耳朵，她只有祈禱。東尼跳窗進屋，他向瑪麗亞解釋了事情的經過，瑪麗亞原諒了他，他們決定宣布兩人永遠不分開。

安妮塔來到瑪麗亞的臥室，東尼趕忙藏了起來，並告訴瑪麗亞到藥店來找他，並和他一起私奔。安妮塔意識到東尼剛剛來過，並對瑪麗亞高聲呵斥，瑪麗亞並沒有後悔，她向安妮塔解釋這一切都是為了愛，安妮塔終於明白了瑪麗亞愛東尼，正像自己毫無怨言地愛伯納多。她警告馬麗亞西諾帶著槍準備去殺東尼。這時斯契蘭尼警官前來盤問瑪麗亞，安妮塔答應到藥店去找東尼告訴他這些事情。

安妮塔的到來引起了噴射幫人的憤怒，種族偏見使他們喪失了理智，幾個小夥子不僅辱罵安妮塔，還企圖強姦她。由於受到了污辱，安妮塔對東尼撒了謊，她告訴東尼西諾已經殺死了瑪麗亞。

悲痛欲絕的東尼從地窖出來，瑪麗亞死了，自己的未來也就變得毫無意義。東尼準備去找西諾。在街上，東尼卻與瑪麗亞相遇，聞聲而來的西諾趁機向東尼開槍，本不願意挑起爭鬥的東尼也死在殘酷的爭鬥中。瑪麗亞跪在東尼的屍體前，抽泣不停。在接連發生的決鬥中，瑪麗亞同時失去了親人和情人。噴射幫和鯊魚幫來到了現場，痛苦的瑪麗亞舉起西諾的槍，但是她並沒有向周圍的人開槍，像這樣的血債血還，何時有個盡頭啊！

兩個幫派的年輕人被這一幕驚呆了，他們漸漸走到了東尼的屍體旁，瑪麗亞輕輕地吻著東尼，隨後噴射幫和鯊魚幫的成員們抬著東尼離去，大人們站在一旁，毫無辦法。

編舞

伯恩斯坦為該劇創作的音樂具有巨大的吸引力。「瑪麗亞」（Maria）、「今晚」（Tonight）、「某地」（Somewhere）有著歌劇般的莊嚴，「體育館的舞蹈」（Dance at the Gym）則是爵士節奏的爆發，「美國」（America）具有不可抵抗的拉丁風情，「前進，克拉普克」（Gee Officer Krupke）卻是一曲輕歌舞劇般的變奏曲。伯恩斯坦對該劇的注釋是：「一次對種族寬容精神的徹底懇求。」「冷靜」（Cool）就是一首由噴射幫的青年們唱出的一首鬼鬼祟祟的、不吉利的歌曲。

舞蹈，尤其是爵士舞是成就該劇的另一個因素。當然伯恩斯坦創造的波多黎各風情的韻律以及切分音的大膽運用，也為羅賓斯那富於煽動性的舞蹈提供了前提。

該劇的現代感和現實意義給編舞家兼導演羅賓斯提供了很大的創作空間。正是因為他，終於使該劇促成了歌、舞和場景的全面整合，贏得了觀眾，也使音樂劇演員向著多元化發展。的確，1957年的《西區故事》一上演，就憑藉它富於創新的佈景，以及獨特的、緊張的、多變的舞步，很快被認為是「美國音樂劇歷史上最大的成功」，羅賓斯也因此獲得了1958年東尼獎的最佳編舞獎和1961年電影版《西區故事》的學院獎（奧斯卡）。

《西區故事》產生了一種音樂劇舞蹈編導的新風格。羅賓斯把現實的背景和頗具紐約城市芭蕾舞團風格的舞蹈動作結合起來，以巨大的成功革新了百老匯的音樂劇形式。劇中歌舞場面在相對真實的環境中展開，所以充滿社會生活氣息，具有一定現實色彩。幫派的小夥子們在街頭遊盪的舞蹈對於主人公們性格刻劃起了很好的作用；而更多的戲劇場面，比如「美國」、「校園的爭吵」（Schoolyard Brawl）、「舞會邂逅」（Young Lovers Meeting at a Dance）也成為現代舞史上的焦點。

編劇

實際上我們不能簡單地將《西區故事》歸類為音樂喜劇，這顯然是一齣音樂悲劇。雖然它有最美麗的音樂，最激動人心的舞蹈，許多觀眾仍被恐懼和傷感的氣氛感染了，他們沒有體會到來自年輕生命的喜悅和快樂，就連一些最富有喜劇感的唱段和舞段也成為了渲染和襯托悲劇的載體。《西區故事》的成就不僅在於成功的音樂劇特性的創造，還在於該劇主體的社會意義的挖掘。

首演那天，桑德漢姆給伯恩斯坦寫了一封信，信中這樣寫道：「《西區故事》對我而言的重大意義不僅在於是我的第一部作品，更在於它給了我與您、阿瑟（勞倫斯）、傑瑞（羅賓斯）合作的機會。我這人並不習慣直接讚美別人，但是今天我要說《西區故事》對您、傑瑞、阿瑟和我而言都是音樂劇的一次極大的革新，我為你們感到驕傲。衷心希望《西區故事》能給前來觀看它的觀眾帶來感動和激情，就如同它帶給我們的一樣。」

有趣的是，在《西區故事》編劇阿瑟•勞倫斯以後的作品中，「羅密歐與茱麗葉」的主題多次被重提。在米哈伊爾•巴雷什尼柯夫主演的電影「轉捩點」（In the Turning Point）中，巴雷什尼柯夫和蕾斯麗•布朗妮表演了一段普羅科菲耶夫作曲的芭蕾舞劇《羅密歐與茱麗葉》雙人舞，預示著主人公在婚姻與事業之間的衝突。

而在《我們走過的路》中，則體現了猶太女孩的政治激進主義和她的異教情人社會消極態度的矛盾。這兩個角色分別由芭芭拉•史翠珊和羅伯特•雷德福扮演。這個故事很容易讓人想起吉羅姆•羅賓斯最初對《西區故事》的構思。

《西區故事》還有幾個主要版本，一個是1964年林肯中心音樂劇場上演的版本，共演出了89場；另一個是1980年明斯科夫劇院的版本，連演了333場。2000年《西區故事》來到了義大利拉斯卡拉歌劇院。《西區故事》能在這樣享譽國際的歌劇院上演，並且，18場的演出門票全部售光，可見該劇的經典性得到了世界性的認同。另外該劇的同名電影版本也值得一提。

《西區故事》首演五年後，由被譽為「屬於具有政治意識的娛樂流導演」的羅伯特•懷斯執導的電影版本，著實為《西區故事》在東尼獎角逐中的失利贏回了面子。這部影片不僅迎合了大眾的口味，而且因其獨特性也深得輿論界好評。影片由美國聯美影片公司第七藝術公司1961年出品。從攝影棚佈景到紐約街頭，以曼哈頓西北部貧民區為背景，在銀幕上展現了一齣現代版本的「羅密歐與茱麗葉」的故事。獲得第34屆奧斯卡最佳影片、導演、攝影、男配角、女配角、服裝、音響、剪輯、最佳歌舞片配樂、藝術指導等10項金像獎。

背景說明

百老匯音樂劇的第一個黃金時代發展至1959年，終以《吉普賽》和《音樂之聲》兩部經典作品劃下句號。

《音樂之聲》是奧斯卡•漢姆斯特恩的第35部，也是最後一部作品，「雪絨花」成了他生平創作的最後一首歌。該劇的巨大成功為「R & H」夢工廠的音樂劇製造劃上了一個圓滿的句號。該劇與普立茲獎獲獎劇目《菲歐瑞羅》共同獲得了 1960年東尼獎的最佳音樂劇獎，還包括最佳編劇、最佳男女演員獎、最佳女配角獎、最佳導演獎等六項東尼獎。由原班演員錄製的專輯也成為「金唱盤」，並獲得了八項葛萊美獎。

1959 年 11 月 16 日，本世紀最著名的詞曲拍檔羅傑斯和漢姆斯特恩把又一個真實故事搬上百老匯舞台，在百老匯首演於路特•馮坦尼劇院，引起轟動，第一輪演出就演了 1443 場。成為 50 年代演出歷時第二部超長的音樂劇。最高票價為 5 美元，當時《音樂之聲》宣稱他們提前預售款超過了 200 萬美元（按照今天的標準看為 3000 萬美元）。1965 年，好萊塢將這一舞台劇改編成電影，取得了無以倫比的成功，成為全世界通俗音樂的經典之作。

背景

該劇根據取材於真實故事的一部同名小說改編。《音樂之聲》在全世界廣受歡迎，也使瑪麗亞•馮•契普一家名揚四海。1910 年正值而立之年的卓越海軍指揮官喬治•馮•契普上校與阿格絲•懷特赫德在舞會上一見鍾情。他們的結合不僅是愛情的結合，幾乎就是「皇家聯姻」。契普上校在奧地利的地位相當於二戰中美國的艾森豪•威爾，加之喬治和阿格絲都來自貴族特權家族。事實上，阿格絲的祖父就是水雷的發明者。

一戰結束後，奧匈帝國分崩離析，沒有了海岸線，奧地利也不再需要海軍，上校失去崗位的同時，也失去了自己的愛妻，契普上校極度傷悲。約翰尼•馮•契普後來回憶道：「我父親的生活就是海軍，他沒有心思再做任何事，陷入了失落的狀態。」

孩子們失去了母親，父親只好雇家庭教師來管教孩子，一個教大孩子，一個教小孩子，另一個負責家務。但是孩子們對這種軍事化的生活並不滿意，直到 1926年瑪麗亞的到來。

真實的契普上校年齡很大，足可以做瑪麗亞的父親，瑪麗亞承認，最初他嫁給上校是因為她愛那些孩子，夫妻雙方面的感情是在夫妻生活中不斷加深的。兩人也有了共同的三個孩子，全家人都非常鍾愛音樂，經常幸福地沉浸在音樂和歌聲中，與吉他、曼陀林、小提琴相伴。1936年瑪麗亞和附近的沃斯納神父一道勸說契普上校組成家庭合唱團。由於契普上校的名聲，以他名字命名的家庭合唱團不久就成名。

契普從前妻那裡繼承的遺產絕大部分都在大蕭條中貶值了。事實上，在納粹到達之前的很長一段時間，契普被迫出租他那富麗堂皇的豪宅中大部分的房間。孩子們不得不學會幹活，甚至到別的家庭做零工。孩子們將家庭的不幸看做是冒險，但是對於父親來說則是一次莫大的打擊，他沒錢撫養九個孩子。好在他們的合唱團為他們解決了一些經濟危機。但是契普上校開始面臨新的困難，因為像他一樣身居高位的軍官靠在公眾中唱歌維生，實在是對自己身份的貶低，但是一家人毫無選擇。作為一家之主，契普上校總會在演唱會中向公眾介紹這個家庭合唱團，在演出結束後還要帶領全家向大家鞠躬謝幕。

契普上校拒絕到德國海軍服役後，的確攜全家離開了奧地利。只不過契普並不是「翻山越嶺」逃跑的，而是直接登上了往瑞士的火車。1938 年契普一家來到了美國，巡迴演出了 8 年。他們成為了著名的契普家庭歌唱組合。孩子們學會了自己打理一切，在途中，瑪麗亞總會攜全家去修道院看看。瑪麗亞總不願意看到孩子們離開家獨立生活，即便他們之中有的已經成家立業。1947 年 5 月 30 日，契普上校去世，三年後，瑪麗亞將這段家史寫成了傳記。1949 年瑪麗亞的傳記體書《契普家庭合唱團的故事》出版，轟動一時；上校去世後，孩子們積極爭取自己的新生活。1956 年契普家庭合唱團宣布解散。1959 年，《音樂之聲》在百老匯揭幕，6年後電影版本問世，更是盛況空前。瑪麗亞和孩子們在佛蒙特州買了農場，取名為「一心農場」，每個孩子都參與重建家園。不久他們發現這樣並不能支撐整個家庭，於是他們將房子租了出去，從此契普飯店開張。

瑪麗亞和她的家人逐漸將主要的精力都放在了飯店經營上，她一直生活得很快樂，直到 1987 年去世。她和丈夫一同被葬在飯店旁的家族墓地，契普家的羅斯瑪麗仍在飯店兩週一次舉行的歌會上唱歌，甚至包括音樂劇的歌曲，契普家最小的孩子約翰尼，也是瑪麗亞唯一的兒子，現在是飯店的老闆。

30 多年以來，有無數的遊客慕名前往薩爾茨堡去拜訪「音樂之聲」的魔力。這個莫札特的誕生地已經於 1997 年被宣布為世界遺產。

50年代中期，百老匯的明星瑪麗•馬丁經過一位導演朋友文森特•唐尼休的推薦，與丈夫一同觀看了一部根據真人真事拍攝的西德影片《菩提樹》，以及故事原型—瑪麗•馮•契普的自傳體小說《契普家庭合唱團的故事》後頗受感動。1958 年主演《南太平洋》和《彼得•潘》的百老匯女明星便提出了一個令人振奮的新計畫—將這個故事製成百老匯舞台劇。所以，可以說《音樂之聲》就是慧眼識珠的導演文森特•唐尼休為瑪麗•馬丁而創作的。馬丁小姐的丈夫理查德•哈里達和朋友里爾蘭德•海沃德成為該音樂創作的發起人，提議由赫沃德•林德塞和魯希爾•克魯斯作為戲劇劇本編劇。

一開始，劇中只包括林德塞和克魯斯從契普家庭歌曲曲目中選擇的一些宗教和民間歌曲，並不是一部音樂劇。瑪麗•馬丁當然想在這部劇中引吭高歌，於是就向好朋友羅傑斯和和姆斯特恩求助，詢問他們是否能夠為她在這部劇中寫一首歌曲。就好像他們為海倫•哈伊斯在 1946 年的戲劇《生日快樂》中寫的一首可愛的歌曲「我沒有憂愁」（I Havent’t Got a Worry in the World）

「R & H」很願意與瑪麗•馬丁合作，從他們為馬丁擔任製作人的艾爾文•柏林的《安妮，拿起你的槍》到他們自己創作的《南太平洋》，大師和明星的合作都非常愉快。然而僅僅只寫一首新歌，兩位大師顯然不樂意。他們有了更好的主意，為什麼不讓他們來為該劇寫音樂總譜，使之成為一部帶有音樂總譜性質的音樂劇，而不是一部將歌曲插入的戲劇作品呢？但是如果製作一方同意，他們得等上一年，因為此刻「R & H」還在《花鼓曲》的劇組工作。最後馬丁、哈里達、林德塞、克魯斯和聯合製作人海沃德做出了最明智的決定：「我們可以等。」

由於郝沃德•林德塞和魯希爾•克魯斯早已簽訂了編劇的合同，所以漢姆斯特恩只能進行歌詞創作。對於「R & H」來說，漢姆斯特恩的才華只被限制在作詞領域是前所未有的。不過四人的合作帶給他們的不僅僅是創作氣氛的熱烈和愉快，更重要的是大大提高了創作的速度。1959年3月，「L & C」提供故事大綱後，「R & H」就開始寫作音樂和歌曲，8月彩排就開始了，10月在「New Haven」舉行了全球首演，11月隨即在百老會打響。

等《音樂之聲》的總譜剛一完成，漢姆斯特恩就被診斷出換了癌症，首演後的 9個月，漢姆斯特恩在他賓西法尼亞的農場逝世，享年 66 歲。

劇情

音樂劇和電影中的契譜上校與現實身分相同。1938 年，當地修道院一位名叫瑪麗亞的見習生由於生性過於活潑，不適合當修女，被修道院派去上校家當家庭教師。當時，他的愛妻已病逝，給他留下七個子女。天真開朗的瑪麗亞博得了七個孩子的好感，把一個原本因軍事化管理而異常嚴肅的家庭，變得充滿生機而歡笑不斷。後來，契普上校和瑪麗亞雙雙墜入愛河，結成夫妻，並和孩子們組成家庭合唱團參加表演。但是，好景不長，當他們蜜月歸來，卻發現奧地利已經被納粹佔領了。德國納粹發動歐戰，希特勒吞併了奧地利，脅迫契普上校為他賣命。正直的上校不願幫助侵略者欺負自己的同胞，決定帶全家逃亡，在修女的幫助下，他們一家人終於順利越過邊界，抵達瑞士。在羅傑斯和漢姆斯特恩的合作中，劇本創作與音樂同樣重要，編劇是取得成功的重要保證。但是有美國專家認為《音樂之聲》的情節線給人感覺並不十分明顯，沒有戲劇衝突達至頂點的情感噴湧，沒有大的戲劇高潮，場面與場面之間更像是一系列的入場、退場，另外，創作者努力使該劇中的情節少些感傷的內容，尤其是當契普上校決定帶全家離開奧地利越過高山逃往瑞士的情節，至今許多評論家對此也有不同的見解。

幸好是有了兩位久經沙場的老將出馬，將所有行為的展開和感情的發展都透過歌曲來陳述，他們讓總譜壓倒了一切，劇中那許多美好的唱段如「哆唻咪」、「音樂之聲」、「雪絨花」、「孤獨的牧羊人」、「再見」、「16、17歲」等歌曲以不同風格滿足了不同年齡層人們的需求。旋律和聲寫作的手法是那樣簡單、易唱易記，歌詞是那樣樸實無華，充滿生活情趣。相信如果沒有一對超強的詞曲作家來彌補編劇的不足，該劇是很難取得輝煌成功的。除了瑪麗•馬丁之外（從 1959 年到 1962 年瑪麗•馬丁一直是該劇主演），舞台原版本由喜劇明星瑟爾多•比科爾出任男主角。

1961年百老匯的演出還沒有結束，巡迴全美的演出便已上場。巡迴演出由弗羅倫斯•漢德森主演，巡迴演出長達兩年零九個月；而由簡•貝勒斯和羅傑•達尼領銜主演的倫敦版本也在皇宮劇院拉開了帷幕，並持續上演了 6 年的時間，創下了美國音樂劇在倫敦西區演出的最長紀錄。

舞台劇至今仍在世界各地上演。從一開始，《音樂之聲》就被看作是羅傑斯和漢姆斯特恩最為享譽全球的音樂劇代表，如今在全世界已經上演了數不清的演出場次了。單在 1996 年到 1998 年間，大型的國際版本就有來自英國、南非、日本、中國、荷蘭、瑞典、冰島、芬蘭、祕魯、以色列和希臘等多個國家。歷久彌新的音樂以及最適合孩子的歌曲還吸引了許多社團和中學的演出團，在美國和加拿大，平均每年要發放 500 個演出權。可以說，自 59 年首演以來，在世界的某個舞台，每天晚上都有《哆唻咪》的歌聲。

1998年百老匯首次複排了《音樂之聲》，由麗貝卡•露珂和邁克爾•西伯瑞主演，導演是蘇珊•H•斯多曼。第二年的演出，理查德•查姆伯萊恩參與主演契普上校。1999 年 8 月，該版本開始在美國巡迴演出。

2001年《娛樂週刊》上寫道：「魅力恆久的音樂讓人難以抗拒。」

電影版

當然最為膾炙人口的還是根據音樂劇改編，1965 年由 37 屆奧斯卡影后朱麗•安德魯斯和克里斯托夫•普拉蒙主演的名揚四海的電影。比利•李為普拉蒙配唱，本片也是中國觀眾頗為熟悉和喜愛的一部音樂巨片。電影版《音樂之聲》叫好又叫座，但並沒有取代舞台版。

影片《音樂之聲》長達 117 分鐘，但絲毫不給人鬆懈和冗長的感覺，原因是多方面的。首先，片中的歌唱與劇情有極緊密的結合，創造出一種生活片的歌舞片模式。其次，編導雖將劇情和人物個性都加以美化和簡單化，藉以配合本片老少皆宜的風格，但處理上卻毫不含糊。故事曲折，推展得自然而富趣味性，對白更是妙語聯珠，在製作技術和場面處理上，本片充分發揮了好萊塢的專業水準。

同時羅伯特•懷斯的影片具有較鮮明的政治觀點，被認為是「屬於具有政治意識的娛樂流導演」。該片獲得第 38 屆奧斯卡獎 10 項提名，最終獲得 5 項大獎，成為電影史上最賣座的影片之一，也是使人懷念不已的歌舞片代表作。隨著「音樂之聲」同來的，還有好些膾炙人口的歌曲，流傳至今。「音樂之聲」從各方面來看，都是一部極上乘之作。

據《劇藝報》統計，從 1965 年到 1972 年，該片一直穩居票房榜首，至今為止，《音樂之聲》仍是盈利最多的一部歌舞片。1999 年 5 月 14 日《紐約時報》的報導，按照當時的貨幣價值和人口比例來衡量票房盈利，《音樂之聲》位居《亂世佳人》和《星球大戰》之後，登上了有史以來最賺錢的電影排行榜，單在全美的盈利，就高達 6.7 億美元。1998 年，《音樂之聲》被美國電影協會評為「美國 100 部最佳電影」之一。

從大螢幕到小螢幕，《音樂之聲》仍然成績斐然，自 1976 年由ABC電視台第一次播映以來，NBC電視台也獲准每年播放一次該片。1995 年是影片拍攝 30 週年紀念，朱麗•安德魯斯成為復活節四個小時節目的特約主持人。自 1979 年 11 月影片影音製品發行以來，已經登上了前 40 名影片銷售排行榜。上個世紀最後一次發行是在 1996 年 8 月，幾週後就登上了暢銷榜前列。至今已經銷售了 1100 萬張。

《音樂之聲》如今已經不僅僅是一部成功的音樂劇作品或是一部成功的歌舞片，它已經成為一種文化現象，從其誕生以來，感染全球的幾代人。羅傑斯經常指出《音樂之聲》是四人共同的智慧和結晶，在羅傑斯寫給林德塞夫人多羅斯的信中，他這樣寫道：「《音樂之聲》是我的音樂劇寫作生涯中最愉快的經驗。」

背景說明

1964年《屋頂上的提琴手》一改百老匯音樂劇的傳統模式，成為能藐視百老匯音樂劇商業成功既定規則的代表作。它的成功為百老匯又製造了一個新的神話，為更多的音樂劇涉及嚴肅題材打開了創作之門。

該劇靠的不是艷麗商業老套路包裝，而在於它那感人至深的內核，涉及了在世態炎�◥瑰藿狺中H們為了信仰而努力鬥爭的主題，並且對人性中的固執、需求、壓抑等內心情感進行了闡釋，被看作是反映東歐猶太移民歷史的一部非常典型的作品。

這些深刻的主題內涵和情感概念使這個「屋頂上」──在百老匯激烈的音樂劇市場上的「提琴手」站穩了7、8年。該劇於 1964 年 9 月 22 日，在紐約帝國劇院首演， 1972 年 6 月 17 日，《屋頂上的提琴手》突破了 3225 場大關，創造了百老匯的新紀錄，該劇最終的場次為 3242 場。到 1980 年 4 月 13 日， 1972 年 2 月出台的低成本音樂劇《油脂》才得以打破《屋頂上的提琴手》保持的紀錄。

該劇曾獲 1965 年第 19 屆東尼獎最佳音樂劇、最佳男演員獎、最佳特色女演員獎、最佳編劇獎、最佳製作人獎、最佳導演獎、最佳詞曲創作獎、最佳編舞獎、最佳服裝設計獎等9項大獎；在 1972 年第 26 屆東尼獎中獲「百老匯演出時間最長」的特別獎；複排版獲 1991 年東尼獎最佳複排音樂劇獎。而且由音樂劇改編的電影也在 1971 年獲得�芫等d最佳音樂、攝影、音響獎。這部「概念音樂劇」能取得如此輝煌的經濟和社會效益著實使人興奮。

劇情

久演不衰的作品《屋頂上的提琴手》是一部反映俄國獨裁帝制時期遭受迫害的猶太人生活的作品。該劇的故事具有普遍的人性特徵，能引起不同國家的人們對於希望、愛情和寬容渴望的共鳴。

該劇中的靈魂人物泰維是音樂劇的舞台上最具神采和生命力的角色之一。 這個虔誠的猶太人常常與他心目中的上帝進行交流。他習慣於傳統的生活，並竭力保持�茬o種傳統，「人不犯我，我不犯人」是他的準則，他認為沒有這種傳統，他和其他的村民們就只能像沒有堅實根基的「屋頂上的提琴手一樣搖晃」。其實「屋頂上的提琴手」就好像是村里人生活狀態的縮影，當年沙皇俄國迫害�疰a猶太人的宗教、文化和生存現實即將展開。故事圍繞著貧苦的泰維想將自己的五個女兒依照家族的傳�s嫁出去而展開。在猶太人的日常生活中，不時出現可能被沙皇迫害的陰影，使劇情非常緊湊，引人入勝。

父親泰維時常沉浸在幻想的世界裡，夢想著能�{得到一筆小財富。當他想起三個女兒的未來時，非常慈愛地唱起「假如我是一個富人」（If I Were a Rich Man），體現出他樂天、幽默的天性。熱歐•莫斯特爾在 1976 年的複排版中告別了百老匯舞台。

故事發生在 1905 年的俄國猶太村莊阿那特夫卡，幾個世紀來，這個烏克蘭的小鎮一直居住著猶太人，他們保持著猶太傳統。牛奶場主泰維和他的妻子高爾德以及他們的5個女兒過著再普通不過甚至有些拮据的家庭生活。令泰維震驚的是，他的女兒們都�貝w以自己的方式表達對愛情和婚姻的理解，並且以非傳統的方式舉行婚禮。

大女兒特熱特爾沒有遵照父親的意願與經濟條件還不錯的的屠夫沃爾夫結婚，而是想嫁給窮裁縫莫特爾。經歷了一番思想鬥爭，泰維終於同意了這對有情人的婚事，還幫助妻子改變了一些傳統偏見。

二女兒霍德兒愛上了一個革命者帕契克，當帕契克被流放到西伯利亞時，她跟隨他一起去了那裡。泰維必須在女兒的幸福與自己的信仰之間做出選擇。深受兒女們愛情感染的泰維使他對女兒的深情與理解超越了傳統的束縛。所以儘管很擔憂，但是他仍然答應了孩子們的請求。

三女兒查娃則愛上了鄰村的一個俄羅斯青年農民菲德卡，還背�茪鷟侀驧馱F這位異教徒。這是泰維堅決反對的的婚姻，無奈女兒和情人只好私奔了。泰維對心愛女兒的背叛難過極了。

後來由於沙皇的哥薩克輕騎兵的破壞，泰維難以忍受的災難是猶太人將被驅逐。使得泰維�貝w走向新大陸的難民隊伍，舉家搬遷到美國。一家人準備收拾行李上路。泰維想到了他的女兒們，大女兒特熱特爾和莫特爾�貝w待在波蘭首都華沙，直至他們掙夠了錢就去美國。二女兒霍德爾和帕契克仍然在西伯利亞。三女兒查娃和菲德卡這時又來到泰維面前，查娃告訴父親她也要和菲德卡離開了。在最後的歌聲中，人們告別了阿那特夫卡，屠夫沃爾夫將到芝加哥投奔哥哥，渴望得到父親對她和丈夫理解和接受的查娃也終於得到了父親在紐約相見的承諾。人們踏上了走向新大陸的難民隊伍，包括那位提琴手。隊伍黑鴉鴉的一片，艱難而又充滿希望的旅途開始了。

詞曲與編舞

說起該劇的產生可要歸功於作曲傑瑞•伯克和作詞希爾頓•哈尼克以及編劇約瑟夫•斯特恩，他們想根據肖羅姆•阿列切姆的短篇小說，一部流行的猶太文學作品《迪維和他的女兒們》創作一部音樂劇，於是就將創作手稿初稿交給了著名的製作人兼導演哈羅德•普林斯，普林斯建議他們聘請吉羅姆•羅賓斯來執導該劇，而且非他莫屬。

《屋頂上的提琴手》成為羅賓斯百老匯舞台生涯的最大成功，也是吉羅姆•羅賓斯最具紀念意義的百老匯作品。羅賓斯在這部描寫猶太家庭故事的音樂劇中運用了猶太人的舞蹈節拍，與1961年的那部以以色列題材的音樂劇《牛奶和蜂蜜》類似。為此，羅賓斯專門去曼哈頓東下城區觀察猶太人的婚禮，他的研究使他醞釀出現實主義的舞蹈語彙，並與故事更完美地整合為一體。劇中的舞蹈非常有名，如酒館裡具有濃郁的俄羅斯風情的熱情歡樂的舞蹈；以及婚禮上保守內斂的猶太風格的「瓶舞」（bottle dance）都很好。舞者將葡萄酒瓶置於頭頂的表演非常生動精彩。劇中的舞蹈場面還有「迪維的夢靨」和「猶太人的遠遷」等。羅賓斯導演和編導的音樂劇還有一個特點，即觀眾不會明顯感到舞蹈與其它場面的轉換，起承轉合都很流暢。這是因為他的創作是以劇情發展為本的。

該劇主題曲採用了東歐猶太曲調的簡單旋律。劇中還有不少令人難忘的旋律，比如：在「你愛我嗎？」（Do You Love Me?）的歌聲中，泰維唱出了對他相濡以沫 30 年的妻子最深切的愛；在大女兒婚禮上的「日升、日落」（Sunrise, Sunset）中，主人公非常溫柔地唱出父母眼見兒女長大成人的奇妙感受；在婚禮的「瓶舞」後，當二女兒霍德爾即將離開前，一首深情的歌「遠離我深愛的家鄉」（Far From the Home I Love）響起，令人感動。劇中悠揚的提琴聲由美國著名小提琴家阿伊薩克•斯頓演奏配樂。

1967年以色列演員恰姆•托波爾在倫敦版《屋頂上的提琴手》中扮演泰維。1971年托波爾繼續在諾曼•傑維森執導的電影中擔任這個角色，為他贏得了更大的聲望。

電影版本雖然在舞蹈場面上不如音樂劇舞台上的效果，但影片的攝影十分講究，柔和的光線運用為影片增色不少。該片以2500萬美元的票房位居1972年好萊塢賣座電影排行榜第二位。

背景說明

1981年5月11日，一部集歌曲、舞蹈、服裝、舞台等各方面都到極高水準的音樂劇作品《貓》上演，自從在新倫敦劇院首演以來，便在英國一炮而紅。八年後，《貓》在倫敦的上演場次達到3358場，成為英國戲劇舞台演出場次的冠軍。1996年1月29日，《貓》以6141場的成績成為倫敦西區音樂劇歷史之冠。在英國家鄉和美國他鄉，《貓》都以其不曾衰頹的魅力長期活躍在舞台上。1997年6月19日，《貓》打破了百老匯經典名劇《合唱班》所創下的紀錄，成為百老匯的「老大」。「從來不用他人的評語作招牌」的《貓》劇的海報，一向都是一雙眼睛和簡單的幾個字—「Cats: Now And Forever」。《貓》似乎真的實現了它的座右銘「現在及永遠」。

1982年10月7日，《貓》在百老匯的冬季花園劇院上演，其演出也無愧於冬季花園的座右銘—只演「有永恆生命力」的戲。十幾年來，去紐約的人如果沒有到百老匯看一場《貓》，大概和沒去看自由女神一樣可惜。

得獎紀錄

《貓》劇使安德魯•勞埃德•韋伯的聲名如日中天，1981年該劇獲得奧立弗獎最佳音樂劇獎，舞蹈編導吉利安•林恩榮獲音樂劇傑出成就獎，該劇還捧回了晚間節目標準獎的最佳音樂劇獎，並一舉贏得1983年7項東尼獎，包括最佳音樂劇、最佳特色女演員、最佳導演、最佳作曲、最佳編劇、最佳服裝設計、最佳燈光設計獎等。該劇的百老匯原版錄音帶的銷量已逾200萬，並獲得1983年葛萊美最佳演出錄音獎。在倫敦的首演錄音也獲得1982年葛萊美最佳演出錄音獎。

1991年10月1日，《貓》成為美國最長的巡演劇目，在美國戲劇史上，《貓》的四次巡迴演出時間相加總長為十六年零兩個月。1993年11月，《貓》成為新加坡和東南亞地區上演的第一部重要的西方音樂劇，這又是一個里程碑式的成就。

《貓》在全世界26個國家300個城市以10種語言（不過《貓》的劇名在世界各地製作中，從未被翻譯成當地語言，一直都使用英文名稱）上演過，在百老匯演出場次高達7485場，全世界現場看過《貓》的觀眾就有5000萬人。《貓》還創造了輝煌票房收入成績，成為世界上票房最高的舞台劇。《貓》在全世界的總收入超過26億美元。在倫敦，該劇票房盈利1.97億美元。

入主百老匯冬季花園劇場的幾十名演員是《貓》劇組從1.2萬名演員中挑選出來的。韋伯更是帶著他的自信將《貓》帶到了紐約，果然《貓》使他和製作人卡梅龍•麥金托什成了富翁。《貓》不僅製造了一個傑里克貓的神話，而且也製造了一個音樂劇的神話，還給音樂劇帶來了一股「悲鳴」的流行風。這部類似「活報劇」式的音樂劇強化了舞蹈、高科技的佈置，也加強了現場音樂劇的魅力，使令人炫目的兩個小時幾乎每分鐘都充滿了神奇的力量。

劇情

該劇情節簡單，而且沒有太多的對話語言，劇中只是充滿著各種各樣的被賦予了高度想像力的貓。每一年，垃圾場旁邊的傑里克貓都會在一個月圓之夜舉行傑里克舞會，傑里克貓們聚集在一起，等待著他們的領袖老丟特羅納米的到來，好選取一隻能獲得重生的貓。每到這一時刻，各種各樣的貓們就會登場介紹自己，希望能去九重天，以便來生能有不同的生活。這些各具特色的「貓」由36位傑出的演員組成。

這天又到了傑里克舞會舉行的時候，一隻隻不同性格、不同外貌的貓相繼出現，每隻貓依次向來訪的人類解釋他們是誰，並且指出貓有三個名字：家庭裡日常使用的名字、較高雅文氣的名字和秘密的名字。

年輕天真的白貓維克多利亞跳起了獨舞「請到傑里克舞會來」（The Invitation to the Jellicle Ball）作為開場，接下來傑克里貓們在載歌載舞中盡情地展現著自己，拉開了一場場精采的表演帷幕…。

珍妮雅多茲是隻老岡比貓，白天懶心無比，可一到了夜晚，她卻變得活力無窮。

朗塔塔格，是一隻愛惡作劇、對異性魅力十足的貓。

這時，一隻瘸腿的年華已逝的老貓格麗莎貝拉出現了，她艱難地上場，外表襤褸憔悴，年輕時為了看看外面的世界離開了傑里克貓族，飽經了生活風霜，回到家鄉。但是由於她當年的背叛，其他的貓不接受她，將她趕出了舞會。

巴斯特夫•瓊斯是隻頗為注重外表的漂亮的25磅重的貓，他把一天中的大部分時間都花在吃上；伴隨一陣雷鳴般的碰撞聲，警笛聲大作，一隻邪惡的貓麥克維蒂出現，製作混亂，傑里克貓們紛紛逃竄；蒙格傑瑞和朗普利蒂熱打破了寂靜，他們是兩隻愛開玩笑、愛惡作劇的四處流浪的竊賊貓；當仁慈而英明的領袖丟特羅納米到場時，整個傑里克貓族一片歡騰。他們準備了一些節目：在曼庫斯特拉普貓的主持下，群貓表演了一齣名叫「波里科狗進行曲下的佩克族與波理科族的可怕的戰鬥」（The Awful Battle of the Pekes and the Pollicles together with the Marching Song of the Pollicle Dogs）的戲。傑里克貓們穿著狗的衣服向對方不停地狂吠，直到有著一對神奇亮眼睛的朗母普斯貓的到來才鎮住了兩方戰鬥的狗。他們的表演被邪惡的麥克維蒂打斷，傑里克貓們四處奔逃！老丟特羅納米平息了騷動，傑里克舞會如期開始，全體貓們跳舞歡慶…。

格麗莎貝拉再次出現，渴望被貓族接受，加入歡慶，但是仍然無濟於事。她只好沉浸在回憶中，她沮喪而悲痛地唱起了「記憶」（Memory），誰能想到她當年是那樣的美貌非凡…。歌曲感人至深、膾炙人口、風靡全球，很多人都會哼上幾句，可見其受歡迎的地步。

劇院貓嘎斯是一位老演員，曾經與他那個時代的最偉大的演員共事過，他正受著痛風之苦。鐵道貓斯金伯沙克斯是所有貓的友善大叔。

邪惡的貓麥克維蒂再次製造混亂。這一次，他劫走了領袖老丟特羅納米，然後假扮成他的樣子企圖威脅傑里克貓族。不過麥克維蒂的把戲被兩隻聰明的貓識破，一隻是被嚇壞了的小貓蒂米特，一隻是最性感的大個子貓鮑巴露瑞娜。麥克維蒂的惡行使他得到了一個渾名「犯罪的拿破崙」（The Napoleon of Crime）。在英勇的曼庫斯特拉普貓的帶領下，傑里克貓們打敗了麥克維蒂。他把電線弄短路使得所有的燈都熄滅了，傑里克貓陷入黑暗之中。這時魔法貓密斯特福利斯先生被魅力貓朗塔塔格請出，魔法貓用神奇的魔力召回了領袖老丟特羅納米。

老貓格麗莎貝拉再次出現，乞求親人們的原諒和理解，她的悲鳴「記憶」喚起了傑里克貓族的同情，終於接納了她。最後，老丟特羅納米選中了老貓格麗莎貝拉，並帶領她登上了九重天。

傑里克晚會要結束了，老丟特羅納米告訴人類旁觀者：就其獨特品行和差異而言，「貓很像你們」（Cats Are Very Much Like You）。

可以說，這個貓的世界就是一個濃縮了的人類社會，貓的故事就是一個現代寓言，世態炎涼、人情冷暖，應有盡有。貓的性格、身分林林總總、形形色色，有形象地影射出人類大千世界的豐富多彩。韋伯這種「世界觀」的音樂劇也是吸引世界各地觀眾的一個獨特角度。

編劇

與蒂姆•萊斯分手後，安德魯•韋伯的創作激情方興未艾。而且韋伯也不再選擇「歷史性」、「爭議性」的題材，而改為以輕快淺顯的題材為主。一部接一部精美絕倫的音樂劇作品在韋伯的筆下誕生。

1977年安德魯•勞埃德•韋伯就開始醞釀根據T. S. 艾略特1939年為孩子們而寫的詩作《老負鼠的實用老貓經》（Old Possum’s Book of Practical Cats）進行音樂的創作，原本只是實驗性的習作，後與特文•奴恩合作，才形成了音樂劇的戲劇結構。

艾略特本人對貓很感興趣，在朋友之間他的別名就是「Possum」（負鼠）。《老負鼠的實用老貓經》1943年出版。韋伯認為艾略特創作的這部作品中的很多篇章本身就極具韻律，而且為這位聞名於世的詩人作品譜曲，也是一項極具挑戰和誘惑的工作。韋伯的第一項計畫是組織一場選曲演唱會。艾略特的遺孀法萊麗•艾略特作為特邀嘉賓出席了1980年夏天的西蒙頓（Sydmonton）藝術節。而且還給韋伯帶來了一些艾略特生前沒有發表過的詩稿，其中就包括《貓》中最光彩的有關妓女貓格麗沙貝拉的敘述。艾略特當初沒有把這一形象放進書裡，是怕這個孤獨悲傷的形象會讓孩子們難過。韋伯從這些章節中感受到了豐富的音樂性和戲劇性，創作構想逐漸形成。韋伯和奴恩確定了戲劇框架後，在艾略特另一首「風夜狂想曲」（Rhapsody on a Windy Night）基礎上又改編了格麗莎貝拉著名的唱段「記憶」。這首歌曲也成為韋伯和奴恩對《貓》的重大貢獻之一。

舞台設計

接下來，這位24歲就擔任英國皇家莎士比亞劇團副導演的特文•奴恩請來了出類拔萃的設計師約翰•那佩爾。製作人麥金托什以重金與連續多年經營不善的新倫敦劇院簽訂改造劇院的合約，將原來的劇院改造成了可旋轉的三面舞台，其餘的改善都以演出為優先。這樣一來，新倫敦劇院成為最適合演出該劇的地點。

舞台的特殊性正是音樂劇《貓》能長久地活躍在世界舞台上，從倫敦到紐約，從紐約到日本，成為一部轟動世界的音樂劇的原因之一。

那佩爾不僅為劇中形形色色的貓們設計了各具特色，然而又萬變不離其宗的造型，在紐約上演時，他也對冬季劇院進行了一番別出心裁的改造。整個觀眾席被約翰•那佩爾改裝為一個巨型廢棄物垃圾場，觀眾滿眼看到的都是誇張的垃圾。等演出開始後，才會發現這裡還有一些令人出其不意的隱蔽洞口。

劇場天蓬很低，上面還閃爍著無數的星星和貓的眼睛，觀眾進入劇場就像進入了一個「用真實物品創造出的幻景世界」。創作者希望在演出開始之前就能氣氛十足，以求獲得與觀眾更大程度的親密。大多數觀眾會非常驚訝地發現他們距離演出場地是如此之近。

劇中總共有2000∼2500個道具，在任何一個座位上，觀眾都能以自己的角度看到劇中垃圾處理場上1500個超大型的牙膏筒、碎碟子、碎卡通和其他各類垃圾。劇中使用了100多種道具（超過30多個假髮是由犛牛毛製作而成，只有格麗莎貝拉的假髮是真髮所製）以及250多套服裝。

編曲

長壽「貓」的魅力之一還有其中的歌曲。尤其是劇中幾度唱起的「記憶」，這首歌給流行音樂注入了新活力，成為至今不衰的流行經典。在倫敦首演時，格麗莎貝拉的扮演者正是因主演《艾薇塔》而竄紅的音樂劇名伶伊蓮•佩姬，她以流行唱腔的方式詮釋了這首歌曲。不過值得注意的是市面上流通的歌詞並非真正的劇場版。有很多音樂家用不同的音樂形式來詮釋它，被錄製近600次，有150多位音樂家錄製過。如：紐約首演版演員貝蒂•巴克蕾、芭芭拉•史翠珊、約翰尼•麥西斯、貝瑞•曼尼洛（他的演唱曾進入美國排行榜前40名）、朱迪•柯林斯、林達•巴爾格德、德比拉•比尼、伊蓮•佩姬、莎拉•布萊曼等。曾參加錄製的著名樂隊有波士頓流行樂隊和里伯雷斯樂隊等。歐洲女歌手納塔莉•格蘭特用它表演泰格諾舞曲版本（Techno Dance）獲得成功，1994年成為歐洲舞曲的第一名：歌曲家普拉西多•多明哥與納塔莉•科爾在其世界巡迴演出的一次現場直播節目裡演出了該曲的二重唱。

舞蹈

劇中精采的還有多種風格的舞蹈，尤其是那段長達十幾分鐘的「傑里克舞會」的舞蹈，令觀眾如癡如醉。隨著時代的發展，舞蹈視覺也不斷革新，舞蹈日益向「多媒體」的方向發展著。「舞蹈多媒體」實際上是充分體現劇場綜合效應的舞蹈創作，這也成為一項「集體工程」。擔任該劇導演之一並為之編舞的吉利安•林恩曾在他的一篇文章「為《貓》編舞」中這樣寫道：「替一部嶄新的音樂劇編舞的導演，就像一位多元作家需要筆墨一樣，需要基幹演員。這個小組常常由助導，一對異性舞蹈演員，一名願意最後留下並照看演出的舞蹈領隊和一名附有創造力的傑出鋼琴家組成。」林恩深刻理解了艾略特的詩作和韋伯的音樂後，開始了創作。她終於成功了，為不同性情的貓編了一段段充滿生氣和感染力的舞蹈，在整個演出中捲起了一陣陣熱浪。除了編舞家、助理編舞家、舞蹈領隊、演員以及鋼琴師之外，創作「多媒體舞蹈」還需要與燈光師、音響師等其他負責舞台效果工程的專家協作完成。

音樂劇《貓》，就像它劇中的經典歌曲「Memory」一樣，如今已經成為百老匯的「回憶」。2000年9月10日，是這部豪華音樂劇在百老匯的最後一場演出，當晚只開放給受邀的1500名朋友和樂迷參加。整場演出充滿了歡呼、尖叫與眼淚。韋伯一進場就受到觀眾的喝采，第一幕臨近結尾，一場盛大的舞蹈之後，觀眾站立鼓掌，這是當晚歷時最長的鼓掌，令演出一度中斷。這可是該劇第7485場的演出！演出結束後，韋伯邀請該劇的指揮、編舞和製作人上台，當所有演職員與交響樂團向觀眾說Goodbye的時候，黃色、白色和銀色的紙屑從天而降，灑在演員和觀眾的頭上。韋伯發表感言，他說：「這是《貓》在百老匯的最後一夜，它在紐約推出時，已經是一齣成功的音樂劇，但是最初在倫敦上演時，我們是冒了很大的險，在此，我唯一想說的一件事就是，希望劇院能繼續冒險。」

幸運的是，音樂劇《貓》在它的誕生地倫敦西區仍然在持續上演，2001年5月11日是「西區貓」20歲生日。被冠以「現在和永遠的」的「貓」，仍站在倫敦音樂劇排行的最高位置。不過，這份幸運也只延續了一年，老「貓」還是在它21歲生日那天壽終正寢。如今，要想親臨《貓》劇現場的觀眾，只能追隨世界各地巡演團的腳步了。

背景說明

《悲慘世界》是一部以法國大革命為背景，描述飢餓、貧困、愛情的膾炙人口的著名小說。維克多•雨果這部花費了14年的宏篇巨著，要在三個小時內完成實屬不易，《悲慘世界》在法國可以說就好像《紅樓夢》、《西遊記》在中國的影響，可以想像改編它會面臨觀眾和劇評家們多麼大的挑剔；何�G這原是一部法語版的音樂劇，由於語言的局限，使得英語國家的人沒有注意到該劇；更何�G這是一部與百老匯風格完全不同的音樂劇。所以要想成功是何其困難。據說如果不是已故黛安娜王妃的慧眼，它的命運就難說了。

英語版音樂劇《悲慘世界》1986年12月20日得以在美國華盛頓肯尼迪中心歌劇院首演。1987年3月12日這一19世紀早期的文學經典終於被著名製作人麥金托什搬上了百老匯舞台。而且其票價賣到了當時百老匯歷史上的最高點50美元。在紐約上演後，該劇獲得了1987年東尼獎的最佳編曲和編劇獎，1988年葛萊美獎的最佳百老匯原劇錄音獎。

目前該劇已經有10多種語言版本。到2001年，音樂劇《悲慘世界》已經上演了14週年了，以6020場（10/21/2001）的成績穩居百老匯演出史上歷時最長的演出劇目第三位，這一數字還在增長。該音樂劇接待了800多萬觀眾，並賺取了3億5千5百萬的利潤。

劇情說明

可以說，音樂劇《悲慘世界》的英文版本已經是一部新創作的作品了，它將更多的精力放在了敘述故事上。故事從冉•阿讓被關押了19年後開始（由於飢餓偷竊了一塊麵包被關押），基本忠實於原著。在學生革命中，他營救了他深愛的養女科塞特的戀人青年馬利尤斯；偵探沙威一生未放棄對讓的追捕，不過，最後他放走了讓，自己投於塞納河。《悲慘世界》帶來了人類的理想追求：正義、平等和人道主義。

1815年法國狄涅，在監獄待了19年的冉•阿讓被假釋，按照法律他必須隨時出示「離開證」。他是一個被社會永遠遺棄的人，只有主教善待他，但被多年的苦難折磨的冉•阿讓�珧膜F主教的銀器。當他被警察抓住他後，主教竟為了救他哄過警察，並將兩個珍貴的銀燭臺送給他。冉•阿讓深受感動，�角葹奐s做人，開始新的生活。

八年過去了，已經逃脫假釋的冉•阿讓早已把名字改成馬德蘭先生了，並成為一個工廠主人和市長。工人中一個叫芳汀的女工有一個私生女柯賽特，女工發現後要求開除芳汀。可憐的芳汀拒絕了工頭的殷勤被解雇。為了給女兒買藥，芳汀變賣了她的首飾盒和頭髮，最後被迫去當妓女，為此她感到非常羞恥。一次芳汀與一個顧客打架，警察沙威要把她抓進監獄。

這時，「市長」趕來並要求將芳汀送到醫院。途中，市長為了救一名被飛奔的馬車撞倒的男子，將深陷的車輪用肩扛起。這非同尋常的力量引起警長沙威的懷疑，使沙威想起了當年監獄裡的第24601號犯人M1656177。許多年來他一直在追捕這個逃脫的假釋犯，並說不久前他已經把這人抓到了。冉•阿讓不願讓一個無辜的人代自己坐牢，�貝w向法院坦白真相。醫院裡，芳汀彌留之際非常思念女兒，冉•阿讓向瀕死的芳汀保證「我會照顧珂塞特」（Will Live in My Protection），而且他確實一生忠實地履行了他的諾言。沙威趕到醫院逮捕冉•阿讓，但他逃脫了。

1823年，珂塞特已在開客棧的德納第家住了五年，德納第剛從滑鐵盧戰場回來，德納第夫婦粗暴地虐待珂塞特，把年方八、九歲的她當作一個女僕，而對自己的女兒愛潘妮卻很溺愛。冉•阿讓發現後便付錢給德納第家，趁�茤]幕把珂塞特帶走，來了巴黎。

九年後，市政府裡唯一對窮人表示出一些感情的拉瑪格將軍可能會死去，城裡出現了一次大騷亂。德納第之女愛潘妮暗戀學生馬呂斯，而馬呂斯卻愛著珂塞特。在一間咖啡館的政治集會上，一群理想主義的�a生們為革命做著準備，他們確信拉瑪格一死革命就會爆發。當窮孩子伽弗洛什帶來了將軍的死訊時，學生們由安灼拉領導湧上街頭，得到民眾的支持。馬呂斯因為對神秘的珂塞特的思念而心神不寧。

珂塞特由於對馬呂斯的掛念而日漸憔悴，愛潘妮儘管自己愛著馬呂斯，她還是悲傷地把馬呂斯帶到珂塞特那裡，並制止她父親的幫派去搶劫冉•阿讓的家。冉•阿讓準備逃離這個國家，珂塞特和馬呂斯絕望中告別。德納第夫婦則打算在混亂中發一筆橫財。馬呂斯注意到愛潘妮參加了起義，讓她送一封信給珂塞特，使她遠離街頭。信讓冉•阿讓截留了，愛潘妮重新來到街頭與馬呂斯並肩戰鬥。伽弗洛什揭發沙威是一名警察局的密探，愛潘妮在街頭被子彈打中，倒在馬呂斯懷裡。冉•阿讓趕到街頭尋找馬呂斯，正好碰到了沙威，雖然他有機會殺死沙威，卻給了沙威一條生路。冉•阿讓向上帝祈禱保護馬呂斯。

第二天，彈藥沒有了，起義者全部被殺，冉•阿讓背�茈╞h知覺的馬呂斯逃到下水道中，碰到正在竊取起義者遺物的德納第。冉•阿讓主�V暴露自己，與沙威見面，請求沙威給他時間把馬呂斯送到醫院。沙威一生堅持的「正義」原則被冉•阿讓的仁慈和寬厚精神擊得粉碎，�貝w放他走。隨後沙威跳進塞納河自殺了。馬呂斯在珂塞特的照料下醒過?，�狺ㄙ器D是誰救了自己。冉•阿讓把自己過去的真相告訴了馬呂斯，並堅持等這對年輕人結婚後，他必須走開，他不能玷污兩人純潔的結合與安全。

婚禮上，德納第夫婦想勒索馬呂斯，說珂塞特的父親是一個殺人犯，並出示了證據：一只他在街頭陷落的那晚從下水道的屍體偷來的戒指。這戒指是馬呂斯的，他這才知道：那天晚上是冉•阿讓救了自己。他和珂塞特趕到冉•阿讓處，在冉•阿讓臨終前珂塞特第一次聽說了自己的身世，「我會照顧好珂塞特」的旋律在結尾冉•阿讓彌留之時的「終曲」（Finale）中，再次出現，芳汀等已經逝去的人們逐漸出現，並融合到「你是否聽到人民的歌聲」（Do You Hear The People Sing?）的大合唱中。老人在親人的懷抱中死去，最後「你是否聽到人民的歌聲？」響徹整個劇場。

詞曲

音樂劇《悲慘世界》在英美音樂劇風行世界的背景下產生，其創作者克勞德－米歇爾•勳伯格是一位成功的唱片製作人和歌曲創作者。原籍匈牙利。他最早是一個歌手，同時也創作流行歌曲。1973年他開始與阿蘭•鮑伯里合作創作了《法國大革命》，勳伯格在劇中扮演的是路易十六，在法國的演出相當成功，這部音樂劇還在1989年法國大革命200週年時重新上演。

兩人的更大願望是想將法國大文豪維克多•雨果1200頁的長篇巨著《悲慘世界》搬上音樂劇舞台，經過兩年的辛勞，1980年9月22日《悲慘世界》終於在巴黎體育競技場上演，然而並不是特別成功。

在完成被認為是不適合於音樂劇形式表現的根據查理斯•狄更斯的《尼古拉斯•尼克勒比的生活和冒險》後，導演特文•奴恩和約翰•卡爾德又開始了新一輪創作。這一時期，著名的製作人卡梅龍•麥金托什正與RSC合作。他們都在等待�虓s的冒險。

1981年，麥金托什得到了一張《悲慘世界》的法語版唱片，在這之前麥金托什不僅和其他英國人一樣，對該劇的存在一無所知，而且對雨果的小說也不熟悉。不過，麥金托什很快就被勳伯格創作的激動人心和富有感召力的旋律吸引了，下定�角葹n將該劇搬上英語舞台。他立即與阿蘭取得聯繫，並得到阿蘭的同意。導演特文•奴恩聽到勳伯格的旋律後也被其魅力深深折服，提出了參與該劇的兩點建議，其一是希望自己的合作搭檔約翰•卡爾德能共同執導該劇；其二是由皇家莎士比亞劇團的資助下組建國際一流合作班底。

編劇隊伍不僅是要對現有的詞句重新加工，還要創作許多對勳伯格和阿蘭?講都是全新的歌。�趥P改寫該劇英語台詞的是曾為好幾部音樂劇寫過詞的霍伯特•克利�Z門。不久，莎士比亞劇團的碉樓劇場上演了英語版的《悲慘世界》，得到苛刻的英國評論界的認同，1985年該劇成功地在倫敦的RSC’S城堡劇院上演，從此一連氣兒上演了十多年。1986年該劇赴美演出。

該劇流動的舞台、巨大的轉盤、氣勢磅�隤漕噶m攻勢都給觀眾留下了極為深刻的印象。

1995年10月8日，在富麗堂皇的倫敦阿爾伯特音樂大廳舉行了音樂劇《悲慘世界》英語版首演成功10週年的紀念音樂會，音樂會上，來自10多個國家的90多位身穿劇裝的演員、150位身著《悲慘世界》宣傳T恤的合唱團員，在大衛•阿貝爾指揮英國皇家愛樂樂團的伴奏下，為現場5000名觀眾再現了音樂劇中的精湛表演。而此次音樂會更為激動人心的是當演出漸至尾聲時，觀眾身後的通道上，來自英國、法國、德國、日本、匈牙利、瑞典、波蘭、荷蘭、加拿大、捷克、澳大利亞、挪威、�穻a利、丹麥、愛爾蘭、冰島及美國等17個國家的冉•阿讓分別用各自國家的語言共同唱出全劇最為震撼人心的一首歌曲──「你聽到人民的歌聲了嗎？」場面熱烈感人！將音樂會的情緒推向了頂峰，令每一位在場的觀眾激動不已。最後這場規模宏大的音樂會在一片歡慶的�蝷鶨M熱烈的歡呼聲中結束。《悲慘世界》在世界各地的巨大成功，正源於它所表現出來巨大的人類美好情感。正如歌詞所說：「路障之外的某個地方，有一個你渴望看到的世界。」

如今《悲慘世界》已經順利地在百老匯上演15年了。雖然該劇捷報頻傳，創造歷史。但要想在百老匯再演三年，超過《貓》，可不是容易之事了。事實上，從2000年9月以來，該劇在百老匯的票房就開始大幅下跌。對此，麥金托什只能縮短劇情，節省成本，勉強繼續維持該劇獲利狀態。

2002年10月，令人遺憾的消息最終還是從百老匯傳來，2003年3月15日，屆時年滿16週歲的《悲慘世界》將告別百老匯。